La Натюрморт, известен още като Натюрморт е вид живопис, който се характеризира с интересно представяне на неодушевени предмети, като: храна, цветя, растения и др., в дадено пространство. Ако искате да научите малко повече за този прекрасен живописен жанр, останете и се насладете на съдържанието, което сме направили специално за вас!
Какво е натюрморт?
Терминът натюрморт се приписва на художествено течение, което е отговорно за изобразяването на начина, по който се възприемат различните елементи, присъстващи в реалността, но с известен акцент върху нещата, които се отнасят до нашето ежедневие, задълбочавайки интерпретацията и динамиката на сетивата на средата от гледна точка на автора.
По същия начин, натюрмортът, както е още известен, би могъл да се определи като изобразителна или фотографска композиция, в която са представени неодушевени предмети, особено храна и домакински принадлежности, като: плодове, зеленчуци, съдове, храна и др. Обикновено тези предмети се поставят върху масата.
Също така, но по-рядко, те са отразени в произведенията: музикални инструменти, мъртви животни, растения, скали, книги, бижута и др. Този клон на живописта обикновено използва дизайн, хроматизъм и осветление, така че да се получи ефект на изключително спокойствие, хармония и благополучие.
Често му се приписва заглавието на един от най-известните жанрове в историята на изкуството и този, който дава на художниците най-голяма творческа свобода. Произходът му датира от древността, много преди 1700-те години, където темите са малко по-различни от днешните.
В началото този клас картини се занимаваше с повече религиозни теми със символика, свързана с представените обекти. С течение на времето техниките и темите се развиват с модернистични натюрморти, които разбиват всички видове бариери на измеренията и използват фотографията и технологиите.
Някои дори съдържаха различни аудиовизуални материали. Но след промените, наложени от практикуващите, същността му остава същата. Популярността му е впечатляваща през различни периоди, култури и движения, включително талантливите Пабло Пикасо и Пол Сезан като някои от неговите представители.
История на натюрморта
За да научим повече за произхода на натюрморта, е изключително важно да посочим неговата история, която може да бъде разделена на няколко етапа. Това са следните:
Древно изкуство
Има няколко следи, които твърдят, че първите натюрморти, открити в историята на човечеството, датират от средата на петнадесети век пр. н. е., в Древен Египет. Те основно се състоеше от начин за украса на интериора на техните гробници, тъй като се смяташе, че тези картини ще бъдат отнесени в отвъдното.
С други думи, египтяните вярвали, че всеки от предметите, които са свързани с храната и домашния живот, ще може да бъде отнесен от другата страна, за да може починалият да ги използва. Най-известният натюрморт в египетската култура е открит в гробницата на писаря Менна.
На това място всички стени бяха перфектно украсени с много детайли от ежедневието им. От своя страна древните гърци също са били натоварени да демонстрират необикновените си умения с картини за делви и изображения на предмети и животни, обичайни в тяхното общество.
В допълнение към това други подобни натюрморти, малко по-прости и с реалистична перспектива, са открити в стенописи от Древен Рим и в мозайки и фрески от XNUMX век в Помпей, Херкулан и Вила Боскореале, като „Натюрморт със стъклена купа с плодове и вази”, да дам пример.
Те са били използвани главно като вид декорация, а също и като начин за улавяне в мозайките на начина на живот, който са водили по отношение на техните обичаи и традиции. По същия начин те също функционираха като двойни знаци на негостоприемство и празнуване на живота.
Тези декоративни мозайки се наричат емблеми и обикновено се намират в домовете на римляните от висшето общество. Висшите класи се стремяха да демонстрират на пролетариата и на потомството разнообразието от храни, на които се наслаждаваха на трапезите си ден след ден.
Малко по малко, започвайки през XNUMX-ти век, цветята и храната стават ясно представяне на сезоните на годината и на петте сетива на човешкото същество. От друга страна, черепите започват да се използват в произведения, които символизират смъртността и ефимерността.
Доста обичайно е черепите в натюрмортите да бъдат придружени от надпис „Omnia mors aequat“, който на испански се превежда като „Смъртта е равна на всички“. Този вид изкуство се нарича "Vanitas", което има по-голяма роля с пристигането на бароковата живопис и художници от холандски произход.
Само по себе си, популярното оценяване на реализма в жанра е свързано с легенда от Гърция за Зевксис и Парразий, двама художници, които се състезаваха през целия си живот, за да видят кой е по-способен да създава обекти, които приличат на реалността, тъй като са част от най-старите описания на техниката trompe l'oeil.
Средновековие
В началото на XNUMX век, през Средновековието, натюрмортът успява да възкръсне в картини с религиозна тематика, но като предмети от ежедневието, които служат за придружаване на главните герои. Те са били взети предвид като начин за декориране на изобразените сцени.
Този вид изобразително представяне се счита за второстепенен до идването на Ренесанса, тъй като обикновено е подчинен на други жанрове, като портрети или самата религиозна живопис, което го кара често да се свързва с религиозни и алегорични теми.
Такава точка може да се наблюдава много в произведенията на северноевропейските художници, чийто чар за оптимален символизъм и реализъм беше доста детайлен, което кара общото послание на всяка тяхна картина да започне да се обсипва с изключително внимание.
Така натюрмортът стана алтернатива за улавяне на символиката в картините. Всъщност развитието на техниката на маслената живопис допринесе тези обекти да имат превъзходен реализъм. Това се дължи на факта, че маслото има по-бавно изсъхване, което позволява да се работи на слоеве.
В същото време дава на художника възможността да смесва и съчетава толкова цветове, колкото желае. Сред основните разработчици бихме могли да споменем фламандския художник Ян ван Ейк, който използва* различни елементи от натюрморта като част от това, което той нарича своята иконографска програма.
Друг важен фламандски художник, като Петрус Христос, през 1449 г. рисува портрет на булка и младоженец, посещаващи златар, озаглавен „Златар в неговата работилница“, най-яркият пример за това, което е известно като преходен натюрморт, тъй като представлява едновременно религиозен и светска основа.
Въпреки че посланието им може да се счита предимно за алегорично, фигурите на младата двойка са напълно реалистични. Освен това обектите, които се наблюдават, тоест останалата част от сцената, е описана по доста подробен начин, с изключение на това, че всъщност е представяне на бижутера като свети Елигий и някои символични предмети.
За Средновековието изображенията на натюрморта в традиционните картини отиват на заден план, тъй като започват да се отразяват във вратите с чисто декоративна цел. По същия начин, друга стъпка за тяхната автономия беше, че те започнаха да рисуват вази с цветя или с хералдическо и символично съдържание.
В допълнение към това голям брой художници са използвали натюрморта като метод за украса на илюстрирани ръкописи. По краищата на тези книги могат да се намерят монети, мидички и бушели плодове. Пример може да бъде сложният текст от XNUMX-ти век „Часовете на Екатерина Клевска“.
Ренесанс
Няма съмнение, че с идването на Ренесанса изкуството претърпява радикална промяна в сравнение с това, което е правено в предишни периоди. Въпреки факта, че натюрмортът се смяташе за по-нисък стил по отношение на алегориите или портрета, по това време беше решено да се прекъснат всички видове връзки със символичното и религиозното.
Един от първите, които се освободиха от религиозното иго, що се отнася до изкуството, беше известният флорентински учени Леонардо да Винчи, който по-късно ще бъде отговорен за задълбочено изследване на природата и заснемането й върху платно с техниката, която самият той създава, акварел.
Към това се добавя и немският художник Алберто Дюрер, чийто принос е също да направи подробни рисунки и картини за флората и фауната. Италианецът Якопо де'Барбари се заема да направи още една крачка напред с работата си “Натюрморт с яребица, ръкавици и стрели за арбалет”.
Картината на венецианеца е известна като един от първите натюрморти на тромпе л'ойл, подписани и датирани с религиозно съдържание, намалено до възможно най-малко. Оттам идва и поверието, че през XNUMX век е настъпил взрив на интереса към света на природата.
По същия начин се наблюдава значително увеличение на създаването на луксозни ботанически енциклопедии, които съставят документацията за откритията на Новия свят. По същия начин имаше по-голям импулс в началото на научната илюстрация и в класификацията на видовете.
Дори много векове по-късно той все още се смята за време на тотално изследване на природата, което е довело до изразяването му по същия начин в живописта. Различните извършени изследвания постепенно започват да се използват като модел за търсене на реализъм в изкуството.
С идването на това художествено движение художниците замислиха природните обекти на нашата среда като отделни учебни елементи, отделяйки ги от всяка митологична или религиозна връзка. В допълнение към това, ранната наука за билковите лекарства се приема като ново практическо разширение на знанието.
За да финансират колекциите от животински и минерални видове, европейските благородници и буржоа започват създаването на прости мебели, в които излагат екзотични и интересни предмети от цял свят. Те се наричаха „Шкафове на любопитствата“ или „Чудните стаи“.
В резултат на тяхното развитие художниците ги използваха, за да получат вдъхновение и да търсят реализма и иновациите, от които се нуждаят. В резиденциите на тези покровители от висшето общество са събирани и търгувани за местните жители редки плодове, цветя, растения, черупки и насекоми.
Пример за това може да бъде лалето, цвете, широко използвано в натюрмортите, поради което се смята, че те произхождат от Холандия. Това обаче не е така, Турция е страната, откъдето идват и в която са истински национален символ.
Науката за градинарството имаше впечатляващ културен взрив, който предизвика целия интерес на европейския континент. Тази зараждаща се тенденция най-интелигентните художници успяха да се възползват от нея, като създадоха стотици хиляди натюрморти. Трябва да се отбележи, че в зависимост от определени региони или съдилища имаше особени интереси.
Мощното и влиятелно флорентинско семейство Медичи имаше доста характерна страст към представянето на цитрусови плодове. Поради впечатляващото разпространение на природни екземпляри и нарастващия интерес към тяхната илюстрация в цяла Европа, създаването на модерни натюрморти става през 1600-те години.
През втората половина на XNUMX-ти век натюрмортът претърпява нова еволюция и започва да бъде наречен автономен. Постепенно религиозното съдържание в картините намалява, както по размер, така и по местоположение. Само моралните уроци останаха имплицитни в пиесите.
За пример можем да назовем „Добре заредената кухня“ (1566) от фламандския художник Йоахим Беукелаер, тъй като тя има реалистично представяне на сурово месо, доминиращо на преден план, докато сцената на заден план е отговорна за предаването на опасностите от пиянство и разврат.
Друга би била картината на Анибале Карачи „Лечението“ (1583), която засяга същата тема, но започва да потиска моралните послания, както и различните картини на натюрморт „кухня и пазар“, създадени през годините от този период.
Иконографията на натюрморти с много цветя също беше популяризирана от скандинавските художници. Традиционно парчетата са представени с много цветни растения, произхождащи от различни нации и континенти, всички в една и съща ваза и в един момент на цъфтеж.
Доста обичайно беше те да не включват други протагонисти. Пикът му е в началото на XNUMX-ти век, точно в момента, когато скандинавските художници се интересуват още повече от развитието на множество реалистични изследвания с ежедневни предмети в европейските общества.
В това, което е известно като Златния век, различните холандски художници от онова време издигат очарованието си от детайлното флорално изкуство на по-високо ниво с картините „Ванитас“. Те са вдъхновени от латинската фраза „Memento mori“, живописен жанр, чието име на испански би било преведено като „Помни, че ще умреш“.
Както при репрезентациите на memento mori, в този тип парчета имаше тенденция да се комбинират цветя с различни предмети: човешки черепи, свещи, пясъчни часовници и др. Последните почти винаги се представяха с главата надолу, за да се позоват на коментар за мимолетния характер на живота.
Въпреки това, за разлика от изкуството memento mori, картините на vanitas бяха натоварени с включването на други допълнителни символи, като: музикални инструменти, бутилки вино и книги, които служат изрично да ни напомнят за суетата на светските удоволствия и блага.
XVII век
Въпреки факта, че натюрмортът придоби голяма популярност сред различните социални групи, съставляващи Европа от XNUMX век, през този период уважението, което се отдава на картините, представящи исторически, религиозни и митични събития, не може да бъде равностойно по никакъв начин.
В началото на този век известни учени, като италианеца Андреа Саки, много ясно дадоха да се разбере, че жанровата сцена и натюрмортът не осигуряват сериозността, която прави живописта нещо велико и трансцедентално. В същото време доста успешни италиански художници намериха важно покровителство за времето си.
Въпреки това художниците, макар и много малко, обикновено се подбираха или бяха принудени да рисуват теми с натюрморт, какъвто беше случаят например с бароковите Феде Галиция, Лаура Бернаскони и Джована Гарцони. Различни други художници от Италия, които се отличиха в различни жанрове, също направиха няколко натюрморта.
По-конкретно, Караваджо е един от предшествениците в представянето на натюрморти с известно съзнание за живописна работа, тоест той работи върху натюрморти във връзка със своя влиятелен натуралистичен стил. Най-добрата му работа, ясен пример за чист натюрморт, е "Кошница с плодове" (1599), тъй като е представена с най-голяма прецизност и местоположение на нивото на очите.
Тази картина е била собственост на кардинал Карлос Боромео до смъртта му, която е била оценена дълго време както по естетически, така и по религиозни причини. Фламандският художник Ян Брьогел Стари също нарисува картината си „Гранд Милански букет“ (1606) за кардинала, което показва, че картината е направена изцяло от живота.
Тези двамата бяха част от обширната колекция от натюрморти на кардинала, заедно с колекцията му от любопитни неща. В рамките на обширната група италиански натюрморти се откроява „Готвачът“ на Бернардо Строци, много добре изпълнена сцена в кухнята по холандски маниер.
От една страна, творбата представлява детайлен портрет на млад готвач, а от друга, представянето на дивечовите птици, които ще се приготвят. По същия начин, един от малкото натюрморти на Рембранд, „Натюрморт с пауни“, съчетава очарователен портрет на младо момиче в компанията на птици дивеч.
Изложеното ни дава да разберем, че извън италианската територия по същия начин е имало проучване в жанра, главно в скандинавските страни. Това се случи както в провинция Северна Холандия, така и в Южна, където се появиха множество вариации на жанра.
Сред тях се открояват кухненския натюрморт, натюрмортът за закуска и монохромният натюрморт. Първият е нарисуван с ловни предмети като тези на Франс Снайдерс, вторият като тези на Клара Петерс, Якоб Фопенс ван Ес и Осиас Беерт, а третият, който се появява около 1625 г., като тези на Питер Клаес и Вилем Хеда, неговите двама най-представителни автори.
Натюрмортът постига своята независимост в иновативния художествен климат на Холандия, тъй като е наречен „стилевен“, чието значение на испански е „спокойна природа“. От своя страна, на романските езици и на руския, ако е бил известен с термина "натюрморт".
Докато художниците намират ограничена алтернатива за създаване на религиозната иконография, която отдавна е била забранена за тях поради ограниченията, поставени от Холандската реформирана църква, северният обичай на детайлен реализъм и неговите окултни символи започват да привличат все по-голям брой художници. страната.
Това малко по малко заменя църквата и държавата като най-големите меценати в региона. По същия начин през този век се появява нов поджанр, наречен „флорален натюрморт“, който ясно се отнася до тази тема.
Възникна от непрестанния интерес към отглеждането на цветя, които по-късно да се приемат като естетически и религиозни предмети, значително подпомагащи развитието на този жанр на натюрморта. Особено в Холандия флоралният натюрморт се продаваше на открити пазари или в същото студио на неговите художници.
Не беше обичайно обаче той да се извършва по поръчка, причина, която повлия на всеки художник да създаде доста лични произведения, които се ръководят от вкусовете и характерните му стилове. Почти винаги бяха прости, но красиви изображения на вази и гирлянди.
Този жанр разполагаше с безкраен брой специалисти, сред които се открояват: Даниел Сегерс, Якоб Капроенс и Ян Брьогел Стари за Фландрия, Марио Нуци и Маргарита Кафи за Италия и Бартоломе Перес де ла Дехеса, Габриел де ла Корте, Хуан де Арелано и Педро де Кампробин за Испания.
Популярността и важността му беше такава, че голяма част от холандската техника за рисуване на цветя е кодифицирана в трактата от 1740 г. на Жерар дьо Лайрес, озаглавен "Гроот Шилдербук". Даваше много съвети за цвят, аранжировка, щрихи, хармония, композиция, перспектива и т.н.
От началото на християнската ера символиката на цветята има важна еволюция. Сред най-често срещаните цветя и техните значения откриваме: роза (любов), мак (сила, смърт), колумбина (тъга), слънчоглед (лоялност, преданост), лале (благородство), лилия (чистота, справедливост), теменужка (смирение). , скромност), наред с други.
Що се отнася до насекомите, пеперудите символизират трансформация и възкресение. От своя страна водните кончета представляваха мимолетното, а мравките - стойността на упоритата работа. Освен това холандските художници се стремят да се специализират и успешно възраждат древногръцкия жанр на натюрморта trompe l'oeil.
По-специално, те го направиха като имитация на природата или мимезис, като го нарекоха като "bedriegertje", на английски "малка измама". Самуел ван Хугстратен е първият, който рисува картини с рафтове, в които различни предмети са представени заковани, вързани или залепени по един или друг начин за маса.
Този тип натюрморт ще стане много известен през XNUMX век в Съединените щати. Един различен аспект на trompe l'oeil беше отговорен за представянето на обекти, свързани с конкретна професия. В „Стабилов на художника с парче плод“ от фламандския художник Корнелис Норбертус Гисбрехтс е заловен всеки от инструментите на занаята на художника.
По същия начин този аспект донесе със себе си отделното идентифициране и развитие на алегорични колекции и суетна живопис или vanitas. В последния са използвани разкошни плодови и цветни аранжировки, книги, статуетки, монети, бижута, кани, картини, съдове, музикални инструменти, придружени от символични напомняния колко кратък е животът.
Към това се добавя използването на черепи, пясъчни часовници или джобни часовници, горяща свещ и обърната книга, за да се отрази морализиращото послание за ефимерността на удоволствията на сетивата. Доста обичайно е някои плодове и цветя да се показват в процес на гниене или гниене, така че се набляга на същото съображение.
По подобен начин живописта стана популярна в средата на този век с широка гама от образци по алегоричен начин, от петте сетива до четирите континента и четирите сезона, улавяйки богиня или метафорична фигура, заобиколена от съответните природни обекти или изработена от човек.
В резултат на това бързо се разпространи в други части на света: Германия, Испания и Франция. Натюрмортът на германците се задължава да следват по-отблизо моделите, с които започват холандците. Георг Флегел беше един от художниците-пионери за това.
Германецът създава чист натюрморт без никакви фигури и иновативното композиционно поставяне на детайлни предмети в шкафове, шкафове и витрини. В същото време той създаде няколко гледни точки едновременно. В района на Испания натюрмортите придобиха по-голямо значение до преди няколко години.
Въпреки това, произходът му датира от този период, само че през цялата история е имало лошо представяне на натюрморти, рисувани от художници от испански произход в кралските колекции. Следователно, също и малко представителство в първите години от откриването на Museo Nacional del Prado.
Това доведе до толкова решаваща забрава, която тежеше върху този жанр в тази страна и останалата част от континента до идването на 1935-ти век. По-конкретно, преоценката започва през XNUMX г. с изложба, организирана от Дружеството на приятелите на изкуството, озаглавена „Вази и натюрморти в испанската живопис“.
В него се откроява представянето на творчеството на ученика на известния Блас де Прадо Хуан Санчес Котан „Bodegón de hunting, greens and fruits”. Признанието продължи шест години по-късно, когато „Bodegón de cacharros“ на Франсиско де Сурбаран пристигна в Прадо чрез дарения.
Последователите на диктатора Франсиско Франко намират в натюрмортите на Санчес Котан и Сурбаран специален стимул за есенциалистката визия, която имат за Испания, като пламенно се задълбочават в съществуващите различия по отношение на холандските или фламандските натюрморти.
В допълнение, франкистите настояват за въздействието на мистичната природа на натюрморта в тяхната страна, свързвайки го с мистичната литература на това, което е известно като Златния век, и това, което биха искали колективната и постоянна идентичност на испанския гражданин бъда.
Противоречиво, темите, разработени от националистическата литература с по-голям консерватизъм от погледа на малък брой натюрморти, бяха възприети от голяма част от чуждестранните учени, които, въпреки че са много добри, не представяха цялостната живопис на натюрморта. практикуван на испанска територия.
Пример за това е Сибил Еберт-Шиферер, която настоява за простотата и различията, които испанците притежават по отношение на холандците, обяснявайки, че дори когато и двете имат имплицитна морална цел, тази строгост, близка до испанската запустение, отхвърля пълнотата, лукса и чувствени удоволствия на холандците.
Това не е случаят с Питър Чери, тъй като следвайки немския историк на изкуството Аугуст Л. Майер, той е успял да оцени доста богатата гъвкавост на натюрморта, който Испания предоставя. Неговите натюрморти имаха своя особен щрих, толкова характерен и интересен.
Точно както се случи в Италия и Франция, в Испания авторите на трактати в областта на живописта, като Антонио Паломино и Франсиско Пачеко, назовават този вид живопис като прост вторичен жанр, тъй като поставят изображенията на човешката фигура на най-високо от художественото представяне.
Въпреки това инвентаризацията на живописта, която обикновено се извършваше за завещателни цели, разкрива, че натюрмортите са много добре представени във всяка от колекциите на живописта на всички социални групи, съставляващи нацията.
За седемнадесети век, град Толедо, далеч от великолепието, което някога е познавал в миналото, Паула Ревенга анализира в повече от 200 описа, че от 13.000 1.000 картини, направени там, 7 са натюрморти, тоест XNUMX%. Трябва да се отбележи, че този процент нараства в определени социални групи, особено в нисшото духовенство.
Следователно, той е относително практикуван от някои известни художници в други жанрове, като Хуан Санчес Котан и Блас де Прадо, замислени като негови предшественици в Испания. Може да се спомене и Матео Серезо, Франсиско де Сурбаран и Антонио де Переда, които култивират множество ванита.
Тази страна даде на света автентични специалисти в областта: Антонио Понсе, Диего Веласкес, Франсиско Барера, Франсиско де Бургос Мантия, Игнасио Ариас, Хуан ван дер Хамен, Хуан де Еспиноза, Педро де Кампробин, Педро де Медина Валбуена, Томас Йепес и скоро. Ярък пример е Хуан Фернандес ел Лабрадор, чийто талант достига до британския двор.
Най-общо казано, в Южна Европа е имало предпочитание към натурализма на Караваджо пред изчерпателните детайли, характерни за Северна Европа. Във Франция художниците на натюрморти се оказват донякъде повлияни от северните и южните школи, заимствайки някои характеристики от всяка.
XVIII век
С идването на новия век религиозните и алегоричните конотации бяха напълно изоставени. По същия начин, натюрмортите на кухненската маса се развиха до точка, в която се превърнаха в изображения на различни цветове и форми, като по този начин улавяха ежедневните храни.
За разлика от минали периоди, тези видове картини са поръчани от художници, за да изпълнят пищни и екстравагантни картини на натюрморт, за да украсят масите на френската аристокрация. Както и платна, които нямаха моралистичното послание, което имаше холандските vanitas.
Очарованието на рококо на изкуството достига своя връх във френската оценка на trompe l'oeil, известна на френски като 'trompe l'oeil', „залъгваща окото“. Жан Симеон Шарден, смятан за един от най-важните художници на своята нация през XNUMX-ти век, използва безброй техники, вариращи от холандски реализъм до меки хармонии.
По време на своя революционен период художници в Съединените щати, които са учили в чужбина, прилагат европейския стил към портрета и натюрморта. Те направиха това, като добавиха други елементи, като цветя и птици, и работеха върху носталгична живопис и хиперреализъм, показани чрез ежедневни предмети.
Натуралистът Чарлз Уилсън Пийл се заема да създаде семейство от важни американски художници, заедно с асоциация за обучение на млади художници и музей на природните любопитства. Рафаел, неговият син, беше член на видна група художници на натюрморти, към която се присъединиха Джон Ф. Франсис, Джон Джонстън и Чарлз Бърд Кинг.
XIX век
С появата на европейските академии, особено на Френската академия, която има трансцендентална роля в академичното изкуство, натюрмортът започва да губи значение и отива на заден план. Академиите на целия континент бяха отговорни за създаването на йерархия от жанрове.
Тази йерархия установи, че художествената стойност на едно произведение се крие преди всичко в неговата тема. Това означава, че въз основа на изразеното в системата най-висшата форма на живопис е тази, която засяга алегорични теми, от историята, религията или митологията, измествайки натюрморта на много по-ниска стъпка в художественото разпознаване.
Вместо да използват натюрморта за представяне на природата, няколко художници, като Камил Коро и Джон Констабъл, избраха избора да ги свързват с пейзажни изображения, предвиждайки движения, които ще се появят по-късно, като импресионизма.
С разгрома на неокласицизма, около 1830 г., жанровата живопис и портретът започват да бъдат любимите жанрове на художествените течения на романтизма и реализма. От тях известните за времето си художници са включили натюрморта в своите платна.
Различни натюрморти на Йожен Делакроа, Гюстав Курбе и Франсиско Гоя носят интензивен емоционален поток, в който те са по-малко загрижени за точността на това, което правят, и повече се интересуват от настроението им.
Въпреки че са създадени по модела на натюрмортите на Жан Симеон Шарден, творенията на Едуар Мане са доста тонални, по начин, който до голяма степен е насочен към импресионизма. Талантливият Анри Фантин-Латур, използвайки по-традиционни техники, става много известен със своите картини с цветя, като много клиенти ги събират.
Още с окончателния упадък на академичната йерархия в цяла Европа и разцвета на безброй художници импресионисти и постимпресионисти, както техниката, така и цветовата хармония триумфираха над темата. Поради това натюрмортът отново се смяташе за версиян въз основа на новите изобразителни течения.
Клод Моне, в първите си натюрморти, показва известно вдъхновение във Фантин-Латур, но той е един от първите, които се осмелява да наруши традицията да използва фонове и да ги замени с живи и впечатляващи цветове, за да осигури по-голяма яркост. Пиер-Огюст Реноар също прави иновации с „Натюрморт с букет и ветрило“ и неговия брилянтен оранжев фон.
В импресионистичния натюрморт съдържанието от религиозно и митологично естество напълно липсваше, по-скоро беше направен опит за внасяне на превъзходна хроматична хармония и светлинна обработка. Беше доста любопитно да видя начина, по който тези художници са направили своите впечатляващи творения.
Въпреки че бяха вдъхновени от цветовете, съставляващи природата, те великолепно интерпретираха визията си, така че в някои случаи картините им изглеждаха белязани по неестествен начин. Както Пол Гоген веднъж каза, „цветовете имат свои собствени значения“.
Други опити за промяна на традиционните гледни точки могат да се видят в творбата "Плодове, изложени на решетка" на Гюстав Кайбот, картина, която е широко осмивана по това време. От друга страна, един от тези, които получиха голямо признание по целия свят, беше „Слънчогледите“ на Винсент ван Гог.
Неговият автор използва различни нюанси на жълто и охра, за да направи плоско изображение, което с годините ще стане забележителен принос към историята на жанра. Това се дължи на факта, че елементи от ежедневието бяха уловени по оригинален начин.
Ван Гог и неговият "Натюрморт с дъска за рисуване" (1889) е ярък пример за портрета на ежедневието в натюрморти, нарисувани с лични предмети, които включват тръби, храна, книги, писма, без да е отразен образът му . В допълнение към това той създава и своя вариант на vanitas с "Натюрморт с Библия" (1885).
Модерно и съвременно изкуство
XNUMX-ти и XNUMX-ви век са от голямо значение за изкуството, тъй като през първите му години е имало място за бърза еволюция на различното изкуство. Всеки от живописните жанрове, включително натюрморта, продължи своя еволюционен процес, за да остави фигуративното далеч зад себе си и накрая да постигне това, което наричаме тотална абстракция.
Малко по малко започват да се добавят елементи от Япония, работещи с многоцветен фон и по същия начин изследвайки повече в абстрактната концепция с геометрични фигури. Това наистина направи голяма разлика между съвременния и православния натюрморт.
Други художници, които се стремят да отхвърлят движението кубизъм, решават да използват натюрморта, но в три измерения, за да се опитат да се върнат към конвенционалното. В допълнение, няколко характерни обекта от това, което смятаме за натюрморт, бяха включени в сюрреалистичната живопис.
Що се отнася до латиноамериканското изкуство, в него е изследван и натюрморт. Сред нейните представители бихме могли да споменем мексиканката Фрида Кало и други съвременни художници, които се заеха със задачата да работят върху сюрреализма, интегрирайки храни и символи на своята култура.
По-късно, по-специално през 60-те и 70-те години, се появява поп арт с Анди Уорхол и Рой Лихтенщайн като негови най-големи представители. Въпреки че се открояваха по свой начин, и двамата направиха свои индивидуални версии на натюрморт с предмети от ежедневието, плодови чинии, бутилки за вино и консервирани супи.
И накрая, трябва да се отбележи, че с навлизането на фотографията в модерното и съвременното изкуство традиционният и прост натюрморт може само да бъде изместен. Това обаче не означава непременно пълното му изчезване, тъй като много художници също се посветиха на изобразяването на реалността по този начин.
Натюрмортът е непрекъснат и ще присъства завинаги днес, тъй като ролята на светлината, усещането за пълна хармония и негласният хроматизъм са се превърнали в имплицитен аспект в изкуството на живописта, независимо кой е той. Историческият момент и неговият създател .
Ако тази статия ви хареса, не я оставяйте без първо четене: